¿A cuántos artistas mexicanos conoces, además de a Frida Kahlo?

Con 127 millones de personas y una superficie de casi 2 millones de km², podemos decir sin titubear que México es un gran país muy poblado. Por ello, y porque su riqueza cultural es tan inmensa como su territorio –según los últimos datos del Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI), las actividades culturales del país representaron el 2,9% del PIB en 2015-, quedarse solo con una pintora mexicana, su admirada y famosa Frida Kahlo, sería un sacrilegio.

Te presentamos a los 10 pintores mexicanos que deberías conocer –Frida Kahlo incluida- si quieres parecer un experto en una conversación sobre arte mexicano.

Por su arte y por estar casado con una de las mujeres más famosas del siglo XX, el pintor mexicano Diego Rivera (1886-1957) –bautizado como Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez- despuntó como artista siendo niño. Tras dejar con la boca abierta a sus primeros maestros, su primera exposición individual siendo un veinteañero le valió su primera beca de estudios. Vino a España, y de ahí, a París, donde conoció a su primera mujer.

La creación, su primer mural, lo pintó en 1922, y a éste le seguirían muchos más, siendo especialmente conocido el polémico El hombre en la encrucijada, un encargo para el Rockefeller Center de Nueva York que terminó siendo destruido por haber pintado a Lenin… pues el artista era un comunista convencido. Siete años después se casó con la también artista Frida Kahlo, a quien le dedicó, tras su muerte en 1954, un museo. El resto es historia…

¿Quién no conoce a Frida Kahlo (1907-1954)? Si te has despistado y no ubicas a una de las artistas latinoamericanas más importantes del siglo XX siempre se está a tiempo de descubrir su arte. Ella, que sufrió poliomelitis y con 18 años tuvo un grave accidente cuando el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía, descargó sobre los pinceles, y sus corsés, su mala salud, pues pasaba largas temporadas postrada en la cama sin poder moverse.

Sus pinturas le llevaron a conocer al  mismísimo Diego Rivera, con quien vivió en La Casa Azul, hoy convertida en museo. Allí se pueden ver sus obras, muchas de ellas autorretratos o representaciones de la vida tal y como ella la veía desde su mundo interior. El amor a su familia, sus momentos más traumáticos como los abortos que tuvo o su columna rota los plasmó con colores y su particular técnica.

Nacido cuando el siglo XIX apunto estaba de cambiar de dígito, este pintor de Oaxaca (1899-1991) es uno de los referentes del arte mexicano del siglo XX cuya obra fue pasando por diferentes escuelas. Del impresionismo al cubismo; del futurismo a la pintura metafísica.

Tras formarse en México y consolidarse como artista en Nueva York, expuso por primera vez en España a finales de los años 80, donde el Museo Reina Sofía exhibió una de sus grandes obras: el mural La naturaleza y artista: la obra de arte y el observador (1943). Sin embargo, y a pesar de tener en su porfolio piezas de grandes dimensiones, la mayoría de sus pinturas no son paredes, sino cuadros más reducidos.

A finales de los 60 el artista comenzó a coleccionar piezas y terminó donándolas, como hizo la galerista Soledad Lorenzo en España, al museo que lleva su nombre en Ciudad de México para que las pudiera disfrutar el pueblo.

Revolucionaria y adelantada a su tiempo (se divorció de su marido con apenas 21 años), Izquierdo (1902-1955) trabajó codo con codo con Rufino Tamayo, con quien además de compartir profesión vivieron durante una temporada bajo el mismo techo.

La soledad, la mujer y la fantasía son tres de los temas que caracterizaron sus obras, los mismos que la llevaron, en 1929, a montar su primera exposición individual en la Galería de Arte Moderno de Ciudad de México y, un año después, en el Centro de Arte de Nueva York, convirtiéndose en la primera artista mexicana en exponer en el país vecino. Diego Rivera, quien le hizo la introducción de su catálogo, se refería a ella como “una de las personalidades más atractivas del mundo del arte (…) un valor seguro”.

La artista murió en 1955 en Ciudad de México.

Pintora, poeta, musa y muy moderna. Mondragón (1893-1978), con una estética rompedora que muchas hoy copiarían de la cabeza a los pies (era una flapper con el pelo corto y según cuentan, una de las primeras mexicanas en llevar minifalda), fue amiga de Frida Kahlo y otras mujeres artistas con quienes pasaba noches de conversaciones.

Con un estilo colorista y naïf, la también conocida bajo el seudónimo de Nahui Olin, plasmaba su rebeldía en su arte, ya fuera a través de sus pinturas o de su propio cuerpo, pues más de una vez posó desnuda para otros artistas.

Para agosto del año que viene está previsto el estreno de la película Nahui basada en la historia de Mondragón y dirigida por Gerardo Tort. “Nahui Olin debería ser una figura de culto. Es más importante que Frida Kahlo”, aseguró  el productor del filme, Jaime Romandía.

La relación de Orozco (Jalapa, 1962) con los objetos cotidianos como un coche Citröen DS, un neumático o un trozo de arcilla es lo que define las obras del artista contemporáneo mexicano más cotizado del momento que comenzó a hacerse un gran hueco en el sector internacional a principios de la década de los 90.

Amante de lanzar y buscar respuestas a las preguntas que plantea con sus obras, una de sus últimas instalaciones fue montar, dentro de la galería de arte Kurimanzutto un ultramarinos Oxxo, muy conocido en su país, con productos intervenidos. Alguno de ellos, como una botella de refresco con la marca del artista, salió a la venta por 15.000 dólares. Orozco ha ganado a fuerza de ideas y trabajo el ser uno de los pintores mexicanos más reconocidos y populares.

Nacido a finales de los 60 en Ciudad de México, los comienzos de este referente entre los pintores mexicanos poco tienen que ver con su arte actual. Dibujante de viñetas políticas en la prensa escrita mexicana durante los años 80, su creación artística viró hasta convertir objetos cotidianos como una maleta en creaciones artísticas con una historia detrás.

Sin dejar atrás el humor que necesitó para dibujar la realidad política de su país, Ortega juega también con las piezas de los objetos, que desmembra para crear esculturas inmensas e hipnóticas que descubren nuevos espacios.

Una de sus últimas exposiciones importantes fue la que hizo en el Palacio de Cristal, junto a Museo Reina Sofía de Madrid, el año pasado.

La visión de Lezama (Ciudad de México, 1968) sobre qué es México no siempre se ciñe a la realidad, y ahí está el arte de este pintor que se mueve entre la memoria, el sueño y el deseo. Amante de la representación de los cuerpos desnudos y la desconstrucción de las imágenes que se suponen sagradas en su país, tiene tantos detractores como seguidores, pero no deja de ser uno de los artistas y pintores mexicanos de referencia de hoy día.

Con una paleta más oscura que viva y obras que podrían ser murales, su trazo no deja indiferente al espectador. Tampoco las escenas naturalistas que recrea en cada obra, donde la mujer y la tierra tienen un papel importante en su concepción del arte.

Representada también por la galería Kurimanzutto, la obra de Cuevas (Ciudad de México, 1975) también se caracteriza por hacer de los objetos e imágenes cotidianos piezas de arte a través de las cuales invita a reflexionar sobre el impacto que pueden tener las acciones locales en la redistribución monetaria.

Cuevas no se queda con una sola disciplina artística, sino que plasma sus conocimientos e impresiones sobre pintura, vídeo, instalación, escultura y fotografía. Es más, entre sus obras está una oreja de chocolate, elaborada con cacao Grano Real Xoconusco, proveniente del estado de Chiapas. Cada uno de estos dulces órganos se podía adquirir por 431 pesos.

Conocida por ser una de las precursoras del arte feminista en América Latina, Mayer (Ciudad de México, 1954), es también una de las artistas más reconocidas de su generación, listada entre los pintores mexicanos más importantes de la actualidad. En 1983 fundó con Maris Bustamante el grupo de arte feminista Polvo de Gallina negra, no había otro igual en México y seis años más tarde, junto a Víctor Lerma, Pinto mi Raya, un proyecto de arte independiente y conceptual que hasta se convirtió en serie de tv, programa de radio, libro…

Romper las definiciones es lo que atrae a Mónica Mayer, quien ve en la performance una de las principales vías de expresión. Así lo define ella en el blog de Pinto mi Raya: “Hago performance porque hay cosas que sólo se pueden decir a través de esta manera de pensar la vida. Si rastreo mi interés en el performance, existe desde antes de que supiera lo que era o que así se llamaba. Quizá ni siquiera definiría lo que hacía entonces como performance, sino como un espacio de libertad en el que me permitía ser creativa en mis acciones: o llegaba a la escuela disfrazada, como lo hice en múltiples ocasiones durante la primaria o me daba por organizar a varios compañeros para que sorpresivamente interactuaran con el público para ilustrar una presentación que yo estaba dando sobre problemas psiquiátricos, como lo hice en la secundaria. Cabe mencionar que el término performance ni siquiera se utilizaba en esos tiempos, aunque happening es una palabra que conocí desde muy chica”.